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recomendado :: BIG BANG BIG BOOM (by BLU)

Después de MUTO, luego de pasar por COMBO, llega BIG BANG BIG BOOM! Todos obra del mago Blu. No hace falta agregar palabras, toquen PLAY!

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vía pachec

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Reseña de El hombre de al lado, de Mariano Cohn y Gastón Duprat

Un hombre que vive con su esposa, hija y mucama en la única casa que construyó en Latinoamérica Le Corbusier (situada en La Plata, Buenos Aires), cuya arquitectura se caracteriza por tener grandes paneles de vidrio a la calle a través de los cuales se ve a cientos de turistas sacándose fotos, es quien tiene un conflicto con un vecino que construye una ventana con vista directa a su casa.

Esta situación narra El hombre de al lado, dirigida por Gastón DupratMariano Cohn, la misma dupla que hizo El artista, que ahora… Seguir leyendo

En twitter @mturnes

new twitter: cuáles son las novedades?

Este es un claro ejemplo de: Cómo hacer un buen video explicativo, a propósito de los cambios en twitter.

vía streaming

animación > The Beatles Rock Band

Excelente presentación del juego, que sería de los Beatles en 2010…

Directed by Pete Candeland

vimeo

martín buscaglia :: un hombre orquesta no tan errante

Ayer por la noche, por primera vez en vivo, vi a mi tocayo Buscaglia en el CAFF (un club social y cultural fundado por la Orquesta Típica Fernández Fierro) por el barrio del Abasto.

Un show increíble, muy sentido, muy “hombre orquestal”, tan solo como acompañado. Con algunos amigos  invitados pero sin su banda dió un recital de 2hs que no tuvo ni un segundo de desperdicio, contando anécdotas, chistes o historias acerca de cómo nació cada tema, dónde, con quién.

Qué importa saber quién soy, en una versión parecida a la de anoche

Incluso, y para terminar el recital, “desmostrando los límites del hombreorquestalismo” según sus propias palabras, hizo un playback del gran tema Cerebro, envidia, orgasmo, Sofía, sobre el cual nos explicó cada detalle y cada sonido del tema. Les dejo el videoclip oficial de este tema, corte de difusión de su primer disco “El evangelio segun mi jardinero”, dirigido por Pablo Ratto.

Cerebro, envidia, orgasmo, Sofía

La próxima vez que vuelva a Buenos Aires no se lo pierdan, no creo que haya persona alguna que le disguste un recital así, lo dudo muchísimo.

TV :: Mangrullo y Sifón explican la Televisión Digital Abierta

Canal 7 sigue invirtiendo, como ya se sabe desde algún tiempo, están apostando a que la Televisación sea DIGITAL.

Para explicar todo esto, y para que sea fácil de entender, eligieron hacerlo a través de la animación y con un HORNERO AZUL como protagonista. Lo de hornero suponemos que es porque es un ave muy trabajadora que se destaca por armar sus nidos en los palos por donde justamente pasa la TV por CABLE y lo de azul será porque ahora esta de modo los pájaros azules gracias a TWITTER?.

Les dejo aquí la primera parte de este micro explicativo, a la espera de los siguientes capítulos:

+ info

Entrevista a Fernando Franco, director y montajista español

Entrevista publicada en Cinevivo.org

En el marco de “Madridcine 2010” entrevistamos a Fernado Franco, miembro de la delegación española que visitó Buenos Aires, montajista, director y guionista español. Actualmente trabaja como montador de largometrajes pero también hace algún que otro corto como hobby en su tiempo libre. Estudió montaje en la ECAM y  hace aproximadamente 9 años que terminó la carrera y se desempeña allí mismo como Jefe en la especialidad de Montaje.

¿Cómo surgió la idea de hacer TU(A)MOR?

La idea surgió en torno a cómo recontar otro corto que ya había hecho de una manera diferente. La “a” está entre paréntesis de manera tal que puede leerse también como “tumor”. El primer caso lo habíamos contamos a través de mensajes de contestador automático, y este es más o menos la misma historia pero contada como un falso documental científico. Es mi segundo trabajo de cortometraje de ficción, aunque paralelamente llevo una carrera más experimental, que va más por museos o galerías que por festivales.

En Argentina los cortometrajes se realizan de manera independiente y cada vez más festivales dedicados a este formato, también de a poco está creciendo el apoyo y la importancia que se les brinda desde las instituciones públicas y privadas. ¿Cómo es, desde tu punto de vista, la producción de cortometrajes en España?

El panorama del cortometraje en España está bastante consolidado. Hay una enorme cantidad de festivales de cortometrajes en cada ciudad y los festivales de largometrajes también incluyen secciones de cortos. Hay premios en metálico, por lo cual el panorama para poder producir y distribuir es bastante estable. Por otro lado, a la hora de financiar existen apoyos públicos para conseguir dinero. Estos vienen por un lado del ICAA, que es del Ministerio de Cultura de España, y por otro lado también hay dinero de algunas comunidades autónomas; que te permiten financiar depende de dónde sea la productora. En el caso de la Comunidad de Madrid los cortometrajes que se vieron en Madridcine, son todos cortos subvencionados por la Comunidad de Madrid. La Comunidad de Madrid subvenciona unos 40 cortos por año, de los cuales un jurado elige 8 anualmente que acaban conformado la carpeta de distribución de Madrid en Corto, que es enviada a festivales; todo de lo cual se encargala Comunidad. Acá se vio una selección de esa selección; es decir, una serie de cortos selectos de diferentes ediciones de Madrid en Corto. El hecho de que esté subvencionada la producción por la Comunidad de Madrid no es excluyente de que esté completada con otro tipo de subvención de otros organismos. En nuestro caso, por ejemplo, contamos con la Comunidad de Madrid, la Diputación de Almería y dinero del ICAA.

¿De qué modo participa la ECAM en Madridcine?

Más allá de esta selección que mencionaba, también se vieron otros cortos que son en general las prácticas finales que se realizan en el último año de la carrera y que se finalizan en 35mm.

¿Cómo llevas a la práctica profesional tu rol como montador?

Desde que finalicé mis estudios de montaje, y un poco antes incluso, ya empecé a montar el primer largometraje y a partir de ahí he ido encadenando uno con otro. Llevo varios años con esta habilidad que compagino con la jefatura de la especialidad de montaje en la ECAM, la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid, más o menos como puedo, porque ambas cosas exprimen bastante el tiempo.

¿Qué software de edición utilizan en la ECAM?

En la ECAM tratamos de que los alumnos salgan con una formación lo más completa posible. En este sentido, se estudia simultáneamente el Final Cut y el Avid; y los alumnos van alternando estos dos sistemas en sus prácticas. También se enseñan algunas nociones sobre montaje en moviola, negativos, positivos… algo que parece va en camino a desaparecer pero que sigue ahí y creemos que los alumnos tienen que conocerlo.

¿Próximos proyectos?

Por un lado, sigo ganándome la vida como montador. A su vez tengo dos proyectos; por un lado un largometraje bastante underground, financiado con muy poquito dinero y hecho en condiciones extremas de producción, que esperamos que funcione festivales porque no tendrá mucha vida comercial por su propia idiosincrasia; y por otro lado, tengo un proyecto de otra película más standard, con un nivel de producción y un equipo técnico standard. Actualmente estamos en busca de la concreción de las subvenciones y esperamos que se filme el año que viene.

¿En lo que refiere a equipamiento técnico, qué cámaras se utilizan en general en España para filmar y qué usarás para tus próximas películas?

Actualmente en el panorama del cine español se están incorporando mucho los formatos digitales, de alta definición y cada vez se rueda más con cámaras de HD. Pero sí todavía hay gente que rueda en 35mm y personalmente lo prefiero. Con respecto a mis proyectos, la idea es, hacer en video el más underground e intentar rodar el otro en 35mm. A su vez, ahora también las diferencias de precios se están confundiendo mucho porque los laboratorios y, más aún, las empresas como Fuji y Kodak están haciendo buenas ofertas para poder contrarrestar lo que viene arrasando el HD.

Por Martín Turnes

Ver entrevista en video y TU(a)MOR aquí

spot :: me mataron un 18 de Julio (AMIA)

Bajo el nombre de “Me mataron un 18 de Julio”, SERET, la Cooperativa de Realizadores Jóvenes Judíos desea homenajear a las víctimas en el recuerdo y la exigencia de justicia. SERET es un proyecto auspiciado por el Departamento de Hagshamá de la Organización Sionista Mundial y el Departamento de Juventud de Amia.

Fui el camarógrafo de este Spot, dirigido por Claudia Wydler y editado por Juan Martín Hsu, que se va usar para convocar a los diversos actos que se están organizando frente a la sede de la Amia en la calle Pasteur 633 de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, a saber:

Jueves 15 de Julio a partir de la 19;30 Hs.. Acto de Juventud.

Viernes 16 de Julio a partir de las .9:30 Hs. Acto Central de la Comunidad Judía y Familiares y Amigos de las Víctimas.

Domingo 18 de Julio a partir de las 9:30 Hs. Acto de Memoria Activa.

Este Spot esta siendo difundido en las pantallas de los subterráneos de Buenos Aires por gentileza de la empresa SubTV.


sudáfrica 2010 > goles injustamente anulados o validados

Increíblemente, en el primer mundial HD, con twitter, con facebook, con una cámara que está tan cerca de los protagonistas que se golpean con ella como el caso de Heinze contra México, la tecnología es usada en todos los sentidos posibles menos para el más importante: cobrar o no un gol, validar o anular correctamente un gol.

Hoy hubo dos casos muy claros, aunque durante este mundial ya hubo algunos ejemplos anteriores.

Alemania 4 – Inglaterra 1. Gol anulado a Frank Lampard, posible 2-2.

Argentina 3 – México 1. Gol de Tévez, primero de la Argentina, que por suerte cobraron!

BONUS TRACK: Golpe de cámara a Heinze.

La FIFA debe hacerse cargo, se sabe que no lo hace porque perdería algo de poder en beneficiar o no a determinada selección, y como en otros deportes debe usarse el video ref.

Por un fútbol más justo.

recomendados :: I´m here, de Spike Jonze

Acabo de ver el gran corto de Spike Jonze: I´m here y no quería dejar de recomendarlo. Con el contexto y al mismo tiempo metáfora de la relación cada vez más intensa del hombre con las máquinas, se mete en la relación amorosa entre 2 robots, y de cómo uno puede dar todo hacia la otra persona o en este caso robot. Técnica y musicalmente impecable.

Aquí les dejo un trailer a modo de presentación, pero no se pierdan la pieza entera. Se puede ver online desde la hermosa página interactiva www.imheremovie.com o bajarlo con subtítulos en español haciendo click aquí.

Camino al Bicentenario :: especial multimedia

Quería compartir un especial multimedia acerca del Bicentenario en el que vengo laburando desde hace 7 meses y que está llegando a su fin.

Junto con Santiago Dapelo (y varios colaboradores) realizamos más de 30 entrevistas a personajes destacados del país (PROTAGONISTAS) y con Luis Casabal hicimos un trabajo fotográfico y documental con el que realmente quedé muy contento y disfruté haciéndolo que incluyó subirnos a las tejas del Cabildo y a la Torre de los Ingleses (UNA VENTANA AL PASADO) a partir del que armé un video experimental grabado en su totalidad con la Canon 5D en 1920×1080 (BUENOS AIRES INTIMO). Todo el especial está excelentemente diseñado por Gastón de la Llana.

Hagan click en la imagen para verlo! Espero les guste!

Entrevista a Diego Lerman, director de La mirada invisible, seleccionada por Cannes

Entrevista publicada en Cinevivo.org.

La película, basada en una adaptación de la novela Ciencias morales escrita por Martín Kohan, se exhibe en el 63° Festival de Cannes en la Quincena de Realizadores, sección paralela. Diego Lerman cuenta detalles de su último film.

¿Cómo fue el paso de leer Ciencias morales, el libro de Martín Kohan, a hacer la película?

Diego Lerman: Yo lo conocía a Martín (Kohan). Por historia personal, sabía que algún día haría algo que transcurriese en la dictadura, pero eso de poner todo el peso en la Historia no me ataría. Por un lado, para mí el hallazgo en la novela de Martín fue que estaba ambientada en un momento de la dictadura que era como que nunca se había contado; era el momento de la decadencia más grande, el año 82. Y por otro lado, no era una novela que contase la dictadura de una manera ya muy vista; sino que era un contexto y había una historia, que yo defino como fábula moral, que era muy compleja, a través de un personaje bastante ingenuo que parecía estar por fuera de todo eso y que empieza como a enterarse de todo. Mi lectura era que esa historia podía pasar ahí porque estaba todo degradado, luego de tantos años de dictadura militar lo social está todo roto. Además me atraía mucho trabajar con el fuera de campo. En la película es fundamental y preponderante; no es sólo lo que se muestra sino lo que no se muestra, y en eso la novela tiene un lugar de condensación fabuloso. La novela cuenta un colegio de manera minimalista, pero el colegio es análogo a lo que puede ser el país. Entonces, algo muy chiquito y encerrado en cuatro muros tiene una trascendencia muy grande. Para mí era algo así como la microcélula de un cuerpo, donde está toda la información, podés ver y leer lo que pasa en el cuerpo, pero sin necesidad de enfatizar nada; es decir, los desaparecidos, las atrocidades, la militancia no están puestas ahí. Son el resultado de todo eso.

¿Cómo fue la transposición, el proceso de adaptar la novela a la película?

DL: Una de las grandes necesidades de adaptación fue correrla de época porque, al menos para la hipótesis que manejábamos, el colegio es el país. Entonces todo lo que pasa afuera, rebota adentro. Para contar como en la novela la guerra de Malvinas, cosa que ocurre en paralelo, yo sentía que en el colegio tenía que pasar algo. Todo estaba teñido del fervor nacionalista. Y a mí me interesaba más contar lo otro; la decadencia de la dictadura militar, y el manotazo de Malvinas es como el final en nuestro caso. La película transcurre en todo el mes previo desde que empiezan las clases hasta que se declara la guerra, que es cuando la dictadura parecía agotarse. También hay otra composición familiar; el personaje del hermano por ejemplo no está y la familia está compuesta por la madre y una abuela. Inclusive Martín Kohan hace una aparición en una escena de una disquería, que no está en el libro.

¿Qué nos podés contar de tus principios como cineasta?

DL: Estudié Diseño de Imagen y Sonido en la UBA (Universidad de Buenos Aires), facultad a la que le tengo mucho cariño y de la que salieron técnicos fabuloso. De hecho mi equipo base de trabajo, está formado por la misma gente con la que hacía cortos allí y mi cuenta pendiente es dar clases en esa Facultad. Yo había hecho un corto, que era el último trabajo de la cátedra Guzmán Barney Finn, en Súper 8 y la idea fue salir a hacer un largo, con la misma estructura. Y entonces apenas terminé, aunque en realidad debía algunos finales, hice “Tan de repente”, en Súper 16mm y en blanco y negro. Luego, mientras se demoraba la realización de Mientras tanto, que también es en Súper 16mm, hice La guerra de los gimnasios, que fue más bien un experimento. Yo había adaptado una novela de Aira y me había quedado ahí… Se demoraba Mientras tanto, y la presenté a la Fundación Antorchas, que ya no existe más. Nos dieron $15.000.- y tenía ganas de hacerla. Y si sabía de entrada que entre el equipo y amigos íbamos a conseguir todo lo que conseguimos para hacerla, no hacía un corto y hacía un largo. Y al final lo terminamos en 35mm y si bien tuvo mucha rotación en Festivales, era un formato raro porque duraba 30min.

¿Y qué pasó con Mientras tanto?

DL: Fue un proyecto que empezó con una beca que me dieron para ir a escribir a Cannes, para ir a escribir a lo que se llama “la residencia”. Y cuando volví, pensé que iba a ser más fácil producirla. En un primer momento estaba con Lita Stantic, y no le encontrábamos la vuelta. Tuvimos varias idas y vueltas y finalmente la hice con BD Cine. Fue una película con todas las de la ley, yo la empecé y sabía que la terminaba. Pero por ahí me sentí un poco víctima, no quiero decir de la industria, pero sí tal vez de cómo es hacer cine que es algo que no conocía. Fue un proyecto que me demandó un esfuerzo tremendo y la versión del guión que filmé no era la que había soñado. Pero estuvo buenísimo y fue la película con la que más aprendí. Cuando terminé Mientras tanto no sabía si quería hacer otra película, no disfruté tanto de hacerla porque se volvió una mochila muy pesada y tuve que esperar mucho para hacerla. Y cuando la terminé me tomé un tiempo largo para pensar qué quería hacer, hice la carrera de “Dramaturgia” y estudiaba junto con Santiago Loza. Y después me di cuenta de que tenía ganas de seguir pero necesitaba tener una estructura propia, aunque sea chiquita y a partir de ahí armamos la productora.

¿De qué manera influyó en la terminación de La mirada invisible que sea aceptada por el Festival de Cannes?

DL: Esta es una película que estaba financiada desde que empezó, así que sabíamos que se terminaba. Yo no trabajo para un festival, el festival pasa y después te queda la película. Pero sí es un muy buen marco donde presentarla, tiene coproducción francesa, y la sección (quincena de realizadores) también es muy buena. No me pude tomar vacaciones entre rodaje y montaje, como hubiera querido. Con la noticia de la participación en Cannes hubo que armar un esquema de trabajo distinto, editar en paralelo y al mismo tiempo que se hacía el sonido. Este último estuvo a cargo de Leandro De Loredo, que también lo hizo en mis otras películas, lo terminó justo ayer y estoy contentísimo. Y siempre está el lugar ideal y el lugar posible… y hacer cine creo que se trata de eso. Por ejemplo, en el caso de esta última película no pudimos filmar en el Colegio Nacional de Buenos Aires. Costó mucho esfuerzo, porque lo que iba a ser en una locación terminó siendo en cuatro. Al final no fue un rodaje sencillo, pero era lo que quería hacer.

Entrevista y foto: Martín Turnes

Adaptación: Eloísa Ibarrola

© Cinevivo

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Entrevista a Iván Fund y Santiago Loza, directores de Los labios que se presenta en Cannes

Entrevista publicada en Cinevivo.org, se puede ver ver también el video de la entrevista aquí.

Luego de participar del BAFICI donde la película ganó 3 premios (Mejor Director, FEISAL y Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos) y antes de la participación en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes, hablamos con los directores de LOS LABIOS, que hoy se presentó en el festival francés.

¿Qué piensan acerca del auge de cierto tipo de películas que se encuentran entre lo ficcional y lo documental?

Iván Fund: Personalmente no creo que sea nada nuevo, pero sí tal vez la tendencia generalizada de este tipo de trabajos. Con respecto a la película, eso no fue una meta, ni siquiera reflexionar sobre eso; pero sí fue la mejor manera para contar lo que se quería contar. Fue la mejor manera que encontramos con Santiago para acceder a esa realidad y a esa historia, pero no sabría por qué.

Santiago Loza: Yo pienso que ya desde el neorrealismo italiano eso estaba sucediendo en cine. Desde Nanook, el esquimal, la ficción y la realidad siempre estuvieron entrecruzadas. Yo pienso que cualquier ficción es un documental de los actores y una ficción siempre termina documentando algo. Pero sí noto algo en cine… está apareciendo cierta reacción a relatos que son agónicos, a estéticas que ya no producen más nada, a ciertas estructuras narrativas clásicas que en cierto momento estuvieron muy bien y que estuvieron vivas, pero hoy la reiteración ha hecho que sean decadentes.

IF: A fin de cuentas, lo que importa es la película; no si es ficción o documental. Uno no debería estar preguntando si es de verdad o si es de mentira…

SL: Por ahí lo que siento es que cierto tipo de cine se hace cargo mucho más de lo que acontece accidentalmente, y no de la planificación obsesiva de un cuadro, de un plano o de un relato. Pero eso sucede también en películas de Hollywood, donde te preguntás si ese está actuando o no; aparecen cosas que claramente no son un signo de la ficción, o de lo que uno culturalmente cree que debería ser la ficción. Todo eso se está filtrando frente a la decadencia de ciertos relatos.

IF: Y bienvenido sea…

¿Cómo surgió la idea de la película y cómo fue el proceso de poner en juego a las tres actrices con gente del lugar que no eran actores?

IF: Uno de los orígenes de la película, de la historia, tiene que ver con que yo tengo una prima y amiga que es asistente social y cuyo trabajo es muy parecido al que hacen estas mujeres en la película. Una de las anécdotas de la película es que cuando ellas llegan al lugar, el Estado les facilita como lugar de hospedaje un hospital abandonado; eso le pasó puntualmente a ella. Y la película surge en parte con las experiencias personales que ella contaba.

SL: Ella fue como asesora constante de este trabajo, ella charlaba con las actrices. Pero la película se despegó mucho de eso; eso es la anécdota que se tomó para construir la historia de la película. Y yo por ahí lo que también pienso, es que la idea no era “ponemos a interactuar tres actrices (Eva Bianco, Victoria Raposo, Adela Sanchez) con gente que no son actores del lugar, o de esta zona tan marginal”. Había algo desde el guión y entonces estas tres actrices cuando están interactuando con la gente del lugar y entre ellas, están armando personajes. Para nosotros había que ir construyendo esa complejidad. La película es aparentemente muy simple, pero tiene como capas.

IF: Más allá de lo que pasaba en el momento y de lo intenso de la situación, tenía que ser fiel y seguir construyendo dramáticamente la historia; tenían que adherir al guión.

¿Cómo era el desarrollo de cada escena que filmaban?

SL: Más que lo que tenía que pasar, que había un indicio, era lo que no tenía que pasar. Una actriz no podía actuar como ella actuaría en su vida, eso no es nada interesante; tenía que actuar, desarrollaba la escena sobre la lógica del personaje.

IF: Responder a los estímulos de la realidad desde el personaje.

¿Hubo ensayos?

SL: Sólo hubo un encuentro con las actrices antes de viajar, y después tuvimos charlas con cada una. Pero no hubo ensayos. También pienso que a esta otredad, el otro, desde la cámara, se la trataba como un personaje. Siempre tuvimos fobia a hacer una película sobre los pobres. Cada persona tiene un desarrollo como personaje, tiene entidad dramática. No es un extra ni tampoco un número de encuesta, es otra cosa. Ni siquiera sabemos si lo que dice la gente es verdad o no lo es, seguramente hay mucha construcción por parte de la gente.

IF: Obviamente antes de filmar la escena se le decía que era todo improvisado, que era una ficción y que eran libres de responder lo que quisiesen. Lo que sucedía era que ellos preferían decir la verdad. Pero nosotros terminamos sin saber cuándo estaban inventando y cuándo no; jugaban a eso. Aunque por lo general decían que les era más fácil decir la verdad que ponerse a inventar algo

SL: A mí una de las cosas que me hace cuestionar la película es “qué es la actuación, qué es actuar hoy”, y “qué es lo verdadero”. Desde que hago cine que no termino de preguntármelo nunca. Y quizás la verdad es lo que te resulte verdadero y no tiene que ver con la fidelidad de los hechos, o la fidelidad de lo que sucedió. Para mí enLos labios es tan verdadero el hecho de la gente contando su situación extrema como las tres chicas en el hospital.

IF: Eso era lo complejo de la propuesta; que ante la contundencia de la construcción de los otros personajes, cualquier cosa que se desfase un poco del trabajo de ella iba a ser mucho más evidente.

¿Cómo planificaron técnicamente el rodaje?

IF: Era un equipo reducido, 15 personas con las actrices incluidas. Resolver en el día o la noche anterior lo que se iba a filmar.

SL: Hubo un tiempo en que se trabajó mucho en el interior del hospital, donde nos íbamos moviendo según los espacios que se destruían y se iban demoliendo. Y cuando hubo que trabajar directamente con la gente, en la comunidad, la idea fue antes que nada de respeto y de no invadir.  Trabajar con lo que nos proponían, aunque les explicábamos previamente qué íbamos a hacer y  para qué. Técnicamente lo que había de luz en esos espacios era muy poco, pero lo suficiente. Todas las entrevistas son con luz natural y usábamos también rebotes para luz. Y todos estaban con micrófonos inalámbricos.

¿Cómo fue el financiamiento?

IF: La película se presentó a preclasificar al INCAA y mientras estábamos esperando, empezamos con el rodaje; lo cual se pudo gracias a un premio del Programa Estímulo Santafesino, que era un premio para el desarrollo del guión. Sentíamos que teníamos que hacer la película cuanto antes y entonces pedimos cambiar el carácter del premio y en lugar de usarlo para el guión, usarlo para el rodaje. Así que eso fue lo que hizo la diferencia, aunque mínimo. Y también empresas que hicieron su aporte concreto para llevar a cabo el rodaje.

¿Qué opinión tienen del Festival de Mar del Plata y del BAFICI?

SL: Los últimos dos años estuve en Mar del Plata.

IF: Yo hice la fotografía y la cámara en Ártico, que participó en la Competencia Argentina.

SL: Y el año pasado, con La invención de la carne en la Competencia Latinoamericana. Es muy triste que Mar del Plata haya sido casi una muestra el año pasado, no debería ser así. No sé por qué terminó siendo eso, y ojalá pueda revertirse. Y el Bafici para la gente que hace cierto tipo de cine es una vidriera y es uno de los festivales con mayor proyección en el mundo. Hay muchos programadores de festivales del mundo que vienen a ver allí cine argentino.

¿Qué beneficios creen que tendrán a partir de la participación en Cannes y qué esperan?

IF: En principio llegar con la película a tiempo para poder cumplir con los requisitos que piden. Pero eso en principio ya está en camino… Lo que espero es que guste como gustó acá. Creo que la importancia de estar en un festival así es la proyección que tiene la película y hacer que las cosas sean un poquito más fáciles de acá en adelante. Es una exposición muy grande.

SL: Coincido con Iván. Para mí lo de Cannes es hermoso, pero no modifica lo que es la película, por supuesto es una fiesta para nosotros, de mucha gratitud, como fue el Bafici. Es más allá de lo que uno imaginó pero tampoco es una sorpresa, es producto del laburo; aunque muchos digan que es milagroso, es trabajo también.

IF: Si hacíamos películas sin Cannes, con Cannes creo que tenemos que poder seguir haciéndolas.

SL: Yo creo que si alguien siente la necesidad de hacer algo profundamente, lo va a hacer, con Cannes, sin Cannes, con Mar del Plata, sin Mar del Plata, con Bafici, sin Bafici… Hay que hacer, después lo otro se verá.

Entrevista: Martín Turnes

Adaptación: Eloísa Ibarrola

© Cinevivo

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foto del día >zombie women of satan en cannes 2010

Una actriz posa durante la sesión de fotos de la película Zombie Women of Satan durante la 63 ª Festival de Cine de Cannes.

An actress poses during the photocall of Zombie Women of Satan during the 63rd Cannes Film Festival.

Foto: MARTIN BUREAU

muy buen institucional de TyC Sports para esta previa mundialista

Lo único que no me gusta es la música… que ya está muy gastada y no se si tiene mucho qeu ver con el relato, pero a pesar de eso esta muy bien.